Design de personnages inspiré de la statuaire Beti par Benoit Balla

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Approche structuro-symbolique du design de personnages inspiré de la statuaire Beti

Ⓐ Texte de Benoît Balla

Ⓐ Production Artopia 2026

Biographie de l'auteur

Référence : ARTOS20262005BB

Résumé

Mots clés :

film d’animation, character design, statuaire Beti, style visuel, abstraction, principes esthétiques, arts numériques.

Cet article analyse les conditions de construction d’identités stylistiques dans le domaine du film d’animation et de la bande dessinée en contexte africain, en mettant en évidence la nécessité d’une réappropriation méthodique des patrimoines esthétiques locaux. À partir de la statuaire Beti, il propose une approche structuro-symbolique inspirée de la loi d’abstraction et de synthèse d’Engelbert Mveng, afin de formaliser un processus de création en sept phases. L’étude montre que le style constitue un système structurant articulé autour de deux dimensions, un niveau visuel et un niveau thématique, permettant d’organiser la perception et la production de sens.

En mobilisant des références comparatives issues de l’animation internationale, l’article démontre que l’intégration des canons esthétiques de la statuaire Beti dans une méthodologie rigoureuse peut conduire à l’émergence de langages visuels originaux, cohérents et économiquement valorisables.

Introduction

Le film d’animation s’impose aujourd’hui comme un secteur structurant des Industries Culturelles et Créatives (ICC)¹, caractérisé par une diversification croissante des langages visuels et des styles graphiques. Cette évolution ne relève pas d’un simple renouvellement formel, mais participe à la constitution de véritables systèmes esthétiques capables de produire des identités culturelles fortes et différenciées. Dans plusieurs aires culturelles, ces systèmes ont atteint un niveau de cohérence suffisant pour influencer durablement les imaginaires collectifs tout en générant des retombées économiques significatives à l’échelle mondiale. Le style devient dans cet environnement un opérateur stratégique situé à l’intersection de la création artistique, de la construction symbolique et de la valorisation économique.

Dans ce contexte globalisé, les créateurs africains se trouvent confrontés à une tension structurante. D’une part, la circulation accélérée des images et des modèles tend à homogénéiser les pratiques et à renforcer l’hégémonie de référents exogènes. D’autre part, le continent africain dispose d’un patrimoine plastique et symbolique d’une richesse exceptionnelle, dont le potentiel reste encore insuffisamment mobilisé dans les processus contemporains de création. Cette situation met en évidence une limite fondamentale qui ne réside pas dans un manque de ressources, mais dans l’absence de cadres méthodologiques rigoureux capables d’organiser, de traduire et d’opérationnaliser ces ressources dans des dispositifs de création contemporains.

C’est dans cette perspective que cet article propose d’explorer la statuaire Beti comme matrice de création pour le design de personnage. En s’appuyant sur la loi d’abstraction et de synthèse formulée par le révérend père Engelbert Mveng, il développe approche structuro-symbolique, conçue comme un outil de transformation des principes formels traditionnels en mécanismes opératoires. En outre, cette démarche repose sur une conception du style envisagé comme une structure à la fois cognitive et esthétique. Elle s’articule autour de deux dimensions interdépendantes que sont le niveau visuel et le niveau thématique, lesquelles contribuent conjointement à la production du sens et à l’organisation de l’expérience esthétique.

Au niveau visuel, le style se manifeste comme un langage plastique structuré qui mobilise formes, couleurs, lignes, textures et organisation spatiale selon des règles spécifiques. Dans le film The Lion King (1994), par exemple, ce langage repose sur une animation traditionnelle dessinée à la main à raison de vingt-quatre images par seconde, caractérisée par une forte expressivité des formes, une stylisation maîtrisée et l’application des principes classiques de l’animation tels que l’exagération, l’anticipation et la lisibilité du mouvement. À l’inverse, Spider-Man : Into the Spider-Verse (2018) propose une redéfinition expérimentale du style visuel en combinant animation tridimensionnelle (3D) et interventions graphiques bidimensionnelles (2D). Le film mobilise une esthétique inspirée des procédés d’impression CMJN et de la bande dessinée, en laissant volontairement apparaître des textures et des irrégularités qui préservent la trace du geste graphique.

Planche d’étude d'Aaron Blaise (animateur et réalisateur de l'animation sur Le Roi Lion de Disney) décomposant le mouvement d'une lionne pour analyser les volumes anatomiques et le raccourci perspectif caractéristiques de l'animation traditionnelle, 2015.

Illustration officielle de Miles Morales (Spider-Man) incarnant les choix plastiques du film à travers l'intégration de textures urbaines et de trames d'impression en demi-teintes, 2018.

Toutefois, le style ne se limite pas à cette dimension perceptive, car il s’étend également à un niveau thématique qui regroupe les structures narratives, les systèmes de valeurs, les archétypes et les imaginaires mobilisés. Dans ce cadre, les choix visuels influencent directement l’interprétation du récit, tandis que les enjeux symboliques orientent, en retour, les décisions formelles. Le style apparaît ainsi comme un système intégré dans lequel le visuel et le thématique interagissent de manière constante pour produire une expérience à la fois esthétique, cognitive et signifiante, soit en stabilisant le sens dans une cohérence formelle comme dans The Lion King, soit en le générant par hybridation et tension comme dans Spider-Man : Into the Spider-Verse.

C’est dans cette perspective que cette recherche mobilise une revue documentaire afin d’identifier des références visuelles, narratives et symboliques pertinentes pour la construction stylistique des personnages.

Revue documentaire et épistémologie : la loi d’abstraction et de synthèse d’Engelbert Mveng

La conception de personnages (character design) constitue un élément fondamental dans la narration des films d’animation et des bandes dessinées, puisqu’elle organise le récit autour d’une figure centrale capable de porter l’action, les émotions et les enjeux symboliques. Cette figure ne se limite pas à une simple représentation visuelle, mais agit comme une médiation entre le spectateur et l’univers narratif, dont la clarté formelle et la cohérence interne déterminent en grande partie l’impact et la compréhension de l’histoire.

Dans les pratiques professionnelles, les character designers ont le choix entre deux grandes approches méthodologiques. La première repose sur une logique déductive et structurée. Méthodique, elle part d’un récit écrit : le créateur identifie le personnage, ses caractéristiques physiques et psychologiques. Ce processus s’appuie généralement sur la constitution d’un moodboard⁴ de références visuelles issues du réel, de productions existantes ou de recherches iconographiques. Ces éléments servent de base à l’élaboration d’esquisses successives, permettant d’explorer, de combiner et de stabiliser des formes, des styles et des intentions expressives cohérentes avec les exigences narratives.

La seconde approche relève d’une logique inductive et exploratoire. Ici, l’œuvre émerge d’abord comme une forme autonome, souvent issue d’un geste créatif spontané ou d’une recherche plastique libre. Le récit se construit ensuite autour de cette figure initiale, en fonction des potentialités narratives et symboliques qu’elle suggère. Dans ce cas, le recours au moodboard reste facultatif et intervient davantage comme un outil d’enrichissement que comme une structure directrice.

Ces deux démarches ne s’opposent pas strictement, mais s’inscrivent dans un continuum de pratiques variant selon les traditions artistiques, les contextes de production et les profils de créateurs. Toutefois, des observations menées auprès de jeunes créateurs de bandes dessinées, de jeux vidéo et d’animation au Cameroun mettent en évidence un déficit d’outils méthodologiques structurés dans le domaine du character design. Cette carence limite la formalisation des processus créatifs et peut freiner le développement de langages visuels cohérents, compétitifs et adaptés aux standards internationaux.

Interprétation schématique de la loi d’abstraction et de synthèse d’Engelbert Mveng, 2026

Dans son livre L’art et l’artisanat africains², Mveng formule ce qu’il appelle la « loi universelle de création esthétique négro‑africaine », également désignée sous le nom de loi d’abstraction et de synthèse. Elle décrit la manière dont l’art africain traditionnel organise et transforme les formes visuelles en significations profondes. Selon cette loi, la création artistique ne se contente pas d’imiter la nature, mais suit un processus structuré en quatre moments complémentaires : la mimesis (imitation de la nature), l’abstraction (dégagement de lignes essentielles), la formation de motifs symboliques et la composition finale de l’œuvre.

Dans cet enchaînement, l’artiste observe d’abord l’objet réel pour en saisir la structure fondamentale, puis élimine les détails superflus pour en extraire une ligne essentielle qui pourra être transformée en motifs stylisés. Ces motifs, porteurs de sens, deviennent les unités symboliques de l’œuvre. Enfin, par la composition, ces éléments abstraits sont recomposés dans une forme plastique cohérente, équilibrée et riche de significations culturelles et symboliques. Cette loi ne vise pas la simple reproduction, mais la transfiguration du réel en langage visuel signifiant, où la forme devient symbole et véhicule une vision du monde.

Appliquée à la création de personnages, cette démarche permet de développer des identités visuelles fortes, où chaque choix formel est signifiant. Les personnages deviennent des synthèses visuelles de leur rôle narratif, lisibles et expressifs, tout en conservant la cohérence symbolique des figures sculptées Beti. Ainsi, la loi d’abstraction et de synthèse offre un cadre méthodologique innovant, reliant patrimoine culturel et pratiques contemporaines, et constituant une alternative efficace pour le développement de styles originaux dans le character design³ africain. La synthèse de cette méthode figure ci-dessous :

Approche structuro-symbolique de création de personnage appliquée à la statuaire Beti

La structuration de cette nouvelle méthode de création visuelle est née d’un constat issu de plusieurs observations menées sur les approches de création de personnages dans la bande dessinée et le film d’animation au Cameroun. Ces observations ont été réalisées notamment dans les villes de Yaoundé et de Douala, qui concentrent la majorité des artistes évoluant dans ces domaines. Elles ont mis en évidence une forte influence des styles graphiques exogènes sur les pratiques créatives locales. Cette influence se traduit souvent par l’émergence de styles fortement inspirés de modèles étrangers, voire par des reproductions stylistiques approximatives qui s’éloignent des référents culturels africains.

En effet, l’adoption de ces styles visuels extérieurs, bien qu’ils présentent un intérêt artistique certain, contribue parfois à marginaliser les patrimoines visuels africains. Dans certains cas, les créateurs locaux se contentent de réinterpréter ces styles dominants, tandis que d’autres en reproduisent les codes de manière presque mimétique. Cette situation peut s’expliquer en partie par la forte visibilité internationale de ces esthétiques graphiques, notamment celles issues de l’industrie de l’animation et de la bande dessinée occidentale ou asiatique. Or, il convient de rappeler ici que ces styles sont profondément enracinés dans les cultures dont ils sont issus et participent à l’expression de leur identité visuelle.

Pourtant, l’Afrique dispose d’un patrimoine artistique et culturel d’une richesse exceptionnelle, susceptible de constituer une base solide pour l’émergence de styles visuels originaux dans la création contemporaine.

Dans cette perspective, la statuaire Beti constitue un exemple particulièrement intéressant. Les recherches menées par Cyrille Bela dans sa thèse⁵ mettent en évidence plusieurs caractéristiques morpho-stylistiques propres aux traditions sculpturales que l’on retrouve chez les Beti.

Ces différentes caractéristiques montrent que l’art Beti offre un éventail de ressources formelles et esthétiques particulièrement riches pour le développement de personnages dotés d’une identité visuelle originale.

À partir de ce constat, et en s’inspirant de la loi d’abstraction et de synthèse formulée par Engelbert Mveng, nous proposons une méthode de création visuelle structurée en sept phases. Cette démarche vise à accompagner le processus créatif depuis la recherche documentaire jusqu’à la phase d’animation, en intégrant différentes étapes telles que l’observation, l’analyse formelle, la stylisation et la réinterprétation des formes.

Cette approche permet ainsi de proposer un cadre méthodologique structuré pour la création de personnages nourris des formes de la statuaire Beti, tout en laissant une place importante à la spontanéité, à l’expérimentation et à l’originalité propre à chaque artiste. Les différentes étapes de cette démarche sont présentées dans les prochaines lignes.

1. Phase de recherche documentaire (Brainstorming)

La phase de recherche documentaire constitue le fondement méthodologique du processus créatif en permettant de définir l’identité narrative et visuelle du personnage en lui donnant davantage de profondeur et de cohérence au sein du récit. Cette étape de brainstorming s'attache à établir un profil psychologique et physique cohérent qui servira de guide pour toutes les transformations plastiques ultérieures. En déterminant avec précision le rôle narratif et les caractéristiques physiques dès le départ, le designer assure une stabilité structurelle et une pertinence symbolique qui facilitent l'intégration de la figure dans son univers narratif. Pour le faire il suffit de dresser le tableau suivant :

Catégories de recherche

Éléments d'analyse et caractéristiques détaillées

Caractéristiques physiques

Âge, morphologie, stature générale, signes distinctifs (parures, scarifications, cicatrices rituelles, accessoires)

Rôle narratif et traits psychologiques

Fonction du personnage dans l’intrigue (héros, guide, antagoniste, initié, ancêtre symbolique) et traits dominants de sa personnalité

Valeurs incarnées

Principes éthiques, culturels ou spirituels associés au personnage : courage, sagesse, ruse, mémoire collective, spiritualité

L'ancrage dans la statuaire Beti pendant cette phase permet de lui insuffler des valeurs culturelles essentielles telles que la sagesse ou la spiritualité intégrées à la structure même du personnage. Cette identification des principes fondamentaux influence directement la hiérarchisation des formes car le choix d'un rôle d'ancêtre symbolique peut, par exemple, se traduire par une accentuation de la tête comme siège de la mémoire. Ainsi, cette première étape ne se limite pas à une simple description mais devient un véritable système de signes destiné à transmettre un message culturel précis à travers la morphologie finale. Elle permet également de savoir où puiser son inspiration et constituer un moodboard.

2. Phase d’identification des formes (Moodboard)

Le moodboard rassemble des références visuelles issues de la statuaire Beti et Fang ainsi que de la direction artistique envisagée. Il ne s’agit pas de reproduire des œuvres, mais d’identifier les principes formels : verticalité, frontalité, stylisation, rapport symbolique des proportions. Parmi ceux-ci, on peut citer :

L’allongement et la finesse des proportions ;
La prédominance de formes curvilignes ;
Une tendance (tête, cou, tronc et membres) ;
Une tête dont la hauteur est approximativement le tiers de la hauteur totale du corps ;
La mise en valeur des détails secondaires par rapport aux proportions générales ;
Un traitement réaliste des détails secondaires ;
Un soin particulier accordé aux détails décoratifs, parfois sculptés ;
L’usage fréquent d’incrustations métalliques ou plastiques ;
L’utilisation de peintures pour enrichir la surface de la sculpture ;
Un traitement parfois sommaire des finitions ;
La suggestion d’un mouvement dans les postures ;
La diversité des thèmes représentés.

Étude des proportions de quelques sculptures Fang du Gabon⁶

Notons que les canons esthétiques de la sculpture Beti reposent en général sur une organisation hiérarchique des formes. La tête, souvent surdimensionnée, symbolise la sagesse, la mémoire et le lien avec les ancêtres. Le tronc, longiligne et stable, incarne la force vitale, tandis que les membres, parfois réduits ou stylisés, sont subordonnés à la fonction symbolique de la figure. Ces déformations intentionnelles ne relèvent ni de l’erreur ni d’une méconnaissance anatomique. Elles traduisent une volonté de synthèse visuelle et conceptuelle⁷. La forme devient un langage, un système de signes destiné à transmettre un message précis. C'est la particularité de la statuaire africaine de privilégier la lisibilité symbolique à la ressemblance physique. Pour notre moodboard, nous nous appuierons sur ces sculptures :

a. Statue masculine Eton

b. Statue masculine d’ancêtre Bakoko

c. Statue d’ancêtre Bakoko

d. Statuette masculine région de Yaoundé

e. Poupée protectrice Beti

f. Statue masculine Eton

g. Statue féminine Eton

h. Statue masculine, région de Yaoundé

i. Statuette masculine Bakoko

j. Sculpture de maternité Manguissa

Benoît Balla, Moodboard : Reproductions d’après photo des statuaires Beti, 2025, illustration digitale

3. Phase de géométrisation des formes

La phase de géométrisation constitue une opération de réduction morphologique fondée sur des principes issus de la perception visuelle et de la psychologie de la forme (Gestalt⁸). Elle consiste à traduire des volumes complexes en primitives géométriques. Il s’agit du cylindre pour les membres, de la sphère ou de l’ovale pour la tête, et du prisme pour le buste. Cette étape vise à stabiliser la structure du personnage et d’en faciliter la lisibilité cognitive. Cette simplification agit comme un processus d’abstraction contrôlée, où l’information visuelle est hiérarchisée selon des invariants formels essentiels.

Benoît Balla, illustration de l’application de l’approche structuro-symbolique dans la création d’un personnage à partir d’une statue masculine Beti de la région de Yaoundé, 2025, Illustration digitale

D’un point de vue technique, cette étape joue un rôle fondamental dans la transférabilité du modèle vers des environnements numériques (modélisation 3D, rigging, animation 2D). Elle permet de définir une architecture volumétrique cohérente, optimisant la gestion des proportions, des axes et des rotations. On peut ainsi considérer cette phase comme une normalisation structurelle facilitant la création du personnage.

4. Phase de création des personnages

Cette phase de création constitue un moment déterminant du processus, fondé sur la loi d’abstraction et de synthèse formulée par Engelbert Mveng. Elle vise à extraire la structure essentielle d’une figure à partir de sa silhouette globale afin de produire un système de formes de référence. L’enjeu consiste à reconstruire le personnage selon des proportions redéfinies en privilégiant la logique structurelle au détriment du détail anatomique. Sur le plan formel, cette démarche repose sur l’étude des rythmes plastiques, notamment l’organisation des pleins et des vides, ainsi que sur l’identification rigoureuse des axes de symétrie qui assurent la cohérence formelle de l’ensemble.

Les proportions du personnage résultent d’une déconstruction géométrique précise dans laquelle chaque segment corporel est intégré à un système modulaire. Le corps est ainsi structuré selon des divisions verticales mesurables, au sein desquelles la tête et le cou occupent une position dominante. La tête représente environ un cinquième et un tiers de la hauteur totale du corps, établissant un rapport proche de certaines traditions de la statuaire Beti. Ce choix s’écarte volontairement des canons naturalistes afin de valoriser la dimension intellectuelle et symbolique associée à la tête en tant que siège de la connaissance. L’allongement du cou, en tant qu’élément de transition entre le corps et la tête, renforce la verticalité de la figure et matérialise un axe de communication entre le monde matériel et le registre spirituel, caractéristique de ces reliquaires.

Benoît Balla, analyse et construction du personnage, 2026, illustration digitale

La simplification des détails anatomiques au profit d’une structuration géométrique plus lisible permet d’établir un rythme visuel fondé sur la variation des formes élémentaires. Les formes fondamentales telles que le cercle, le triangle et le rectangle deviennent les unités de base de la composition. Leur agencement produit une tension des lignes qui accentue la verticalité du personnage et renforce sa présence plastique. Cette organisation favorise une lecture synthétique de la figure, où chaque élément participe à un équilibre dynamique entre stabilité et mouvement.

L’identité et la profondeur symbolique du personnage émergent de l’intégration de motifs géométriques hérités des pratiques sculpturales Beti. Les formes telles que le triangle, le losange ou les structures ellipsoïdales sont utilisées pour organiser la surface et introduire des variations rythmiques. Ces motifs ne relèvent pas uniquement d’un registre décoratif, mais constituent un véritable système de signification. Le cercle et l’ovale renvoient à des notions d’harmonie et de complétude, tandis que le triangle et le losange expriment des dynamiques de croissance et d’élévation, tant sur le plan spirituel que social. Par ce processus de stylisation, la représentation dépasse la simple figuration pour devenir un dispositif symbolique structuré, dans lequel la géométrie fonctionne comme un langage formel au service de l’expression émotionnelle et conceptuelle.

5. Phase d’étude du modèle

C’est une étape plus technique que conceptuelle, qui relève d’une approche analytique systématique, proche des méthodes utilisées en design industriel et en biomécanique appliquée à l’animation. Elle vise à produire des planches d’étude visuelle du personnage et se résume en trois planches principales : l’étude des vues orthogonales (face, profil, dos). L’étude des expressions faciales et l’étude des poses dynamiques correspondant au rôle narratif du personnage. Cette étape s’apparente à une formalisation technique du personnage, où chaque vue agit comme une projection géométrique contrôlée.

Benoît Balla, Étude turnaround du personnage, 2026, illustration digitale

Par ailleurs, l’humanisation des expressions faciales et des poses dynamiques s’inscrit dans une logique de sémiotique visuelle et de kinésique. Il s’agit d’identifier les unités minimales d’expression (micro-expressions, tensions musculaires, axes de mouvement) afin de construire un répertoire expressif cohérent avec le rôle narratif. Cette phase transforme ainsi le personnage en un système de signes visuels capables de produire du sens et de soutenir la narration quelles que soient leurs variations.

6. Phase de réinterprétation et variation des personnages

Cette phase conceptuelle et de synthèse correspond au moment où le designer libère sa créativité par des mécanismes proches de la pensée divergente et de la transformation morphologique adaptée au récit. Cela passe par l’accentuation expressive à travers la manipulation des formes et des détails. Par ce processus, le personnage devient original tout en restant ancré dans une logique de l’esthétique Beti. Il ne s’agit plus seulement de représenter, mais de produire une forme signifiante, capable d’exprimer une intention narrative et culturelle.

Benoît Balla, interprétation et variation chromatique des formes du personnage, 2025, illustration digitale

Sur le plan théorique, cette étape peut être comprise comme un processus d’exploration de l’espace des possibles formels, où chaque variation constitue une hypothèse visuelle. L’ancrage dans les référents esthétiques africains agit ici comme une contrainte structurante, orientant la créativité vers une cohérence culturelle. Le résultat est une forme hybride, à la fois innovante et enracinée, qui traduit une identité singulière du personnage.

7. Phase d’animation du modèle

Cette dernière phase vise à animer le personnage afin de l’intégrer dans le film d’animation pour lequel il a été conçu. Elle introduit également le paramètre du temps dans le système formel du personnage, transformant une structure statique en entité dynamique. Elle repose sur des principes issus de la cinématique, de la physique du mouvement et des fondamentaux de l’animation (anticipation, squash & stretch, timing). Les tests d’animation (marche, course, saut) et quelques expressions faciales permettent de valider la cohérence mécanique et expressive du modèle.

Ⓐ Benoît Balla, Animation de personnage, réalisation du Studio Ben Tatoo, mai 2026, 4 secondes.
Ⓐ Production Artopia, 2026

Au-delà de la technique, cette étape constitue une validation fonctionnelle globale du personnage. Elle permet d’observer la robustesse des choix opérés dans les phases précédentes (proportions, géométrie, expressivité). On peut ainsi la considérer comme une phase de simulation comportementale, où le personnage est testé en conditions quasi réelles d’usage narratif. Si cette phase révèle des incohérences, cela indique que certains choix effectués en amont nécessitent d’être réévalués.

L'approche méthodologique structuro-symbolique exposée dans cette partie constitue un système rigoureux de conception de personnages qui harmonise les canons esthétiques traditionnels avec les exigences numériques contemporaines à travers un processus structuré en sept phases. En allant du brainstorming conceptuel à l'animation fonctionnelle, cette méthode s’inspire de la loi d'abstraction et de synthèse pour traduire les proportions hiérarchiques et symboliques de la statuaire Beti en un langage géométrique cohérent. En définitive, cette synthèse scientifique transforme le personnage d'une référence culturelle statique en une entité narrative dynamique, où chaque choix formel, de la tête surdimensionnée aux motifs stylisés, opère comme un vecteur sémiotique de l'identité culturelle et de l'expression conceptuelle.

Conclusion

L’analyse menée met en évidence que la question du style dans le design de personnage ne relève pas d’un simple choix esthétique, mais constitue un enjeu structurant qui engage à la fois des dimensions culturelles, cognitives et économiques. En distinguant clairement les niveaux visuel et thématique, l’article montre que le style fonctionne comme une matrice organisatrice du sens, capable d’orienter la perception et l’interprétation des œuvres. Cette compréhension permet de dépasser une approche intuitive pour inscrire la création dans une logique méthodologique et systémique.

Par ailleurs, l’approche structuro-symbolique apparaît comme une contribution méthodologique pertinente pour la valorisation des patrimoines africains dans la création contemporaine. En traduisant les principes de la statuaire Beti en un processus structuré, elle offre aux créateurs des outils concrets pour produire des formes cohérentes et distinctives. Elle participe ainsi à la construction d’un langage visuel culturellement ancré tout en étant adaptable aux exigences des industries créatives actuelles.

En définitive, cette recherche ouvre des perspectives importantes pour le développement de modèles africains de création visuelle capables de rivaliser à l’échelle internationale. Elle invite à poursuivre la formalisation théorique des pratiques artistiques et à renforcer les liens entre patrimoine, innovation et production économique. Une telle orientation constitue un levier stratégique pour l’émergence d’écosystèmes créatifs durables et pour l’affirmation d’une souveraineté esthétique dans le champ global des images.

Références bibliographiques

Animations

- Inside Out, Pete Docter, Pixar Animation Studio, 2015, 95 min, original language: English

- Spider-Man: Into the Spider-Verse, Joaquim Dos Santos, Kemp Power & Justin K. Thompson, Sony Pictures Animation, 2018, 140 min, original language: English

- Spirited Away, Hayao Miyazaki, Ghibli studio, 2001, 124 min, original language: Japanese

- The Lion King, Roger Allers & Rob Minkoff, Walt Disney Features Animation Production, 1994, 88 min, original language: English

Livres

- Cyrille Bela, Pour un autre regard sur l'art Beti, édition l'Harmattan, Yaoundé, 2014, 136 pages

- Christiane Paul, Digital Art, Thames & Hudson edition, Londres, 2015, 272 pages

- Christopher Hart, How to Draw Great-Looking Comic Book Characters, Watson-Guptill edition, New York, 2000, 144 pages

- Engelbert Mveng, L'Art et l'Artisanat africains, Éditions Clé, Yaoundé, 1980, 163 pages

- Marjane Satrapi, Persepolis, édition L’Association, Paris, 2007, 365 pages

- Preston Blair, Cartoon Animation, Laguna Hills, Walter Foster Publishing, 1994, 224 pages

- Susan Mullin Vogel, African Art: Western Eyes, Londres, Thames & Hudson edition, 1997, 312 pages

- Suzanne Preston Blier, African Vodun: Art, Psychology, and Power, University of Chicago Press, 1995, 486 pages

Thèses et publications scientifiques

- Benoît Joseph Balla Owona, Création de personnages en 3D pour un cinéma d’animation inspirée des formes et canons esthétiques de la sculpture Beti, Mémoire de master, Université de Yaoundé I, 2018

- Cyrille Bela, Les expressions sculpturales au sud-Cameroun : cas du pays Beti, Thèse de doctorat PHD, Université de Yaoundé I, 2006

- Louis Perrois, La Statuaire des Fang du Gabon, Arts d'Afrique Noire, publication scientifique de l'Institut de recherche pour le développement (IRD), 1973

Benoît Balla

Balla Owona Benoît Joseph est doctorant en arts plastiques à University of Yaoundé I et enseignant à la Libre Académie des Beaux-Arts.

Spécialisé dans les arts numériques, il développe l’approche Structuro-Symbolique appliquée à la conception de personnages 2D et 3D. Structurée en sept phases, cette méthode associe rigueur technique, abstraction formelle et réflexion sur les dimensions symboliques des arts africains, en dialogue avec la pensée du révérend père Engelbert Mveng.

À travers son activité pédagogique, il accompagne de jeunes créatifs dans les domaines de l’art, du design et de l’animation. Parallèlement, il développe une pratique audiovisuelle orientée vers le cinéma d’animation et la création expérimentale. Il est notamment l’auteur des courts métrages Baobab : les deux jeunes gens (2015) et The Office (2025).

Il a également participé à plusieurs ateliers et masterclasses internationaux, notamment à Arles en 2018, affirmant une démarche artistique ouverte aux échanges interdisciplinaires et internationaux.